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2026.05.22.-06.07.
11:00-21:00 월요일 휴관

참여작가
송성훈
윤장호

전시 기간 : 2026.05.22.(금) - 06.07.(일) / 월요일 휴관
전시 장소 : 컷더케이크 (월드컵로 25길 131, 2층)
협력기획 : 오은숙 
디자인 : 양민석 
사진 : 스튜디오 오실로스코프 
주최/주관 : 컷더케이크 
후원 : 주식회사 박미남

인간이 들어서지 않은 전시 공간에서 기계의 움직임은 무엇을 향하고 인지하는가. 그 공백의 장소에 인간이 발을 들이는 순간, 우리는 어떠한 위치에 놓이게 되는가.

오늘날의 미디어아트는 기술을 통해 공간의 다양한 변수를 데이터화하며 스스로 움직이거나, 사전에 입력된 정보를 바탕으로 독자적인 궤적을 그린다. 이러한 환경 속에서 인간은 시스템을 통제하는 주체가 되기보다, 정교한 회로 속에 끼어드는 하나의 물리적 변수에 가까워진다. 전시 《기울어진 숨》은 지각의 전복을 통해 평형의 감각을 흔드는 송성훈의 구조와, 스스로 숨 쉬듯 작동하는 윤장호의 기계적 리듬이 교차하는 지점에 주목한다. 그 과정에서 발생하는 미묘한 흔들림과 어긋난 평형의 감각은, 인간 중심의 세계가 흔들리는 자리에 떠오르는 ‘기울어진 숨'이 된다.

20세기 초 수동적 관조를 유지하던 관객에게 육체적, 심리적 반응을 유발했던 다다이즘과 미래파의 퍼포먼스에서부터 근대적 예술체제를 해체하고 예술을 삶의 영역으로 확장한 플럭서스, 그리고 관객의 신체적 지각과 공간적 맥락을 전면에 내세운 미니멀리즘에 이르기까지, 예술은 관객의 위치와 시선을 작품의 본질로 끌어들여 왔다. 이러한 흐름은 예술이 발생하는 지점을 고정된 대상이 아닌 작품과 관객이 만나는 현장으로 이동시켰다. 그 결과 관객의 존재는 예술이 성립되는 조건으로 자리 잡는다. 그러나 이러한 관계는 예술을 인간의 지각에 의존하는 대상에 머물게 하며, 주도권 또한 인간에게 귀속하게 된다. 바로 그 지점에서 본 전시는 다른 전제를 취한다. 인간을 주 행위자가 아닌, 시스템의 흐름 속에 연루된 ‘개입된 행위자'로 설정하는 것이다. 이곳에서 기계와 공간은 관객의 응답을 기다리지 않고, 스스로의 내부 논리에 따라 작동을 지속한다. 인간은 그러한 작동 체계 속에 뒤늦게 도착해 영향을 받는 존재로 남는다.

윤장호는 사회 구조적 조건에서 비롯된 불안의 감각을 키네틱 작업으로 치환해왔다. 본 전시에서 선보이는 《Resistance Device》 연작은 불완전한 지각에서 비롯된 불안을 공간의 맥박으로 전환하며, 보이지 않는 감정의 층위를 가시화한다. 레이더를 통해 공간의 위치를 좌표값으로 기록하는 <Resistance Device #2>와 주변의 소음을 분절된 움직임으로 번역하는 <Resistance #3>은 대상에 대한 명확한 해석에 도달하지 못한 채 불규칙한 움직임을 뱉어낸다. 이때 작품은 인간을 온전히 파악하기보다 수집된 결괏값에 따라 기계적 수행을 지속한다. 이 과정에서 관객은 감상의 주체가 아닌 시스템에 포착된 파편적 데이터로 남겨진다. 나아가 <Choreography No.1>은 경직이나 떨림과 같은 인간의 불안 징후를 기계적 안무로 재구성한다. 인간의 직접적인 개입이 사라진 자리에서, 기계는 오히려 그들의 행위적 흔적을 자율적으로 드러낸다.

송성훈은 고정된 본질의 부재에서 비롯되는 실존적 불안을 인간의 유한성과 세계의 관계를 자각하는 계기로 삼는다. 특히 디지털 매체의 탈신체화가 불안을 심화하는 지점에서, 역설적으로 신체적 감각을 전면화하여 실존의 감각을 공간 속에서 재구성한다. <Willow>는 직접 파악할 수 없는 자연 현상을 공간에 구현한다. 순환하는 바람 소리와 이에 반응하는 추상적 장치는, 인간이 부분적으로만 인지할 수 있는 자연의 비은폐된 층위를 드러내며 그 거대한 흐름 앞에서 마주하는 유한함과 지각의 불안정함을 감각하게 한다. 이어지는 <Vertigo>는 밀란 쿤데라의 소설 ‘참을 수 없는 존재의 가벼움'에서 발췌한 문장들을 영상 서사로 재구성한 작업이다. 정면과 천장에 배치된 영상, 그리고 바닥의 거울을 통해 시각 정보와 방향이 분리되는 순간, 관객은 현기증과 함께 자신의 신체를 다시 자각하게 된다. 이는 디지털 매체 속에서 유예되었던 육체적 실존을 다시 호출하는 것이다. 이러한 전도된 공간 인식은 ‘안정에 도달하려는 욕망 자체가 하나의 추락 욕망'이라는 실존적 역설을 구체적인 신체 경험으로 전환한다.

결국, 이 공간은 단순히 작품과 인간이 상호작용하는 장소가 아니다. 기계는 고유한 규칙에 따라 작동하고, 공간은 구현된 바람과 신체 감각을 교란하는 장치를 통해 유동적으로 호흡하며 환경을 변모시킨다. 인간의 신체는 그 작동 체계 속으로 편입되어 수행적 환경의 일부가 된다. 즉, 기계와 공간의 물성이 ‘주 안무가'가 되어 환경을 이끌고, 인간은 그 어긋난 호흡 사이에 끼어들어 함께 휘청이는 것이다. <기울어진 숨>은 인간이 중심에서 밀려난 자리에 남겨진 자율적인 호흡, 그리고 비인칭적 작동에 연루된 신체가 겪는 낯설고도 필연적인 조우를 드러낸다.

[Exhibition] Tilted Breath
2026.05.22 – 06.07
11:00–21:00 / Closed on Mondays

Participating Artists
Sunghoon Song @sung_hoooon
Jangho Yoon @raffonyourmind

Exhibition Period: May 22, 2026 (Fri) – June 7, 2026 (Sun) / Closed on Mondays
Venue: Cut the kake
Co-curation: Oh Eunsook @eunsook_o
Design: Yang Minseok @close.on.monday
Photography: Studio Oscoscope @studio.oscosc
Hosted and Organized by: Cut the kake @cutthekake_
Supported by: Park Minam Co., Ltd.

What do the movements of machines perceive and orient themselves toward within an exhibition space devoid of human presence? And the moment a human steps into that vacant site, what position do they come to occupy?

Contemporary media art increasingly transforms spatial variables into data through technology, moving autonomously or tracing independent trajectories based on pre-programmed information. Within such environments, humans no longer remain the controlling subject of the system, but instead become closer to a physical variable inserted into an intricate circuitry. Tilted Breath focuses on the intersection between Song Seonghun’s structures, which unsettle the sense of equilibrium through perceptual inversion, and Yoon Jangho’s mechanical rhythms that operate as though breathing on their own. The subtle tremors and displaced sense of balance emerging from this encounter become a “tilted breath” surfacing where the human-centered world begins to waver.

From the performances of Dadaism and Futurism in the early twentieth century—which provoked physical and psychological reactions from audiences previously positioned as passive spectators—to Fluxus, which dismantled the modern artistic system and expanded art into the domain of life, and Minimalism, which foregrounded the viewer’s bodily perception and spatial context, art has continually drawn the viewer’s position and gaze into the essence of the work itself. This trajectory shifted the site of art away from the fixed object toward the encounter between artwork and viewer. Consequently, the viewer’s presence became a condition through which art itself could emerge. Yet such a relationship also leaves art dependent upon human perception, ultimately returning agency to the human subject. It is precisely at this point that the exhibition proposes a different premise: positioning the human not as the primary actor, but as an “intervening agent” entangled within the flow of a system. Here, machines and spaces do not wait for the viewer’s response, but continue operating according to their own internal logic. Humans arrive belatedly within this operational structure, remaining beings who are affected by it.

Yoon Jangho has translated sensations of anxiety arising from socio-structural conditions into kinetic installations. The Resistance Device series presented in this exhibition transforms anxiety originating from incomplete perception into the pulse of space itself, visualizing invisible emotional layers. <Resistance Device #2>, which records spatial positions as coordinate values through radar sensing, and <Resistance Device #3>, which translates surrounding noise into fragmented movements, continuously emit irregular motions without ever arriving at a clear interpretation of their targets. The works do not attempt to fully comprehend humans, but persist in mechanical performances according to collected outputs. In this process, viewers remain not as subjects of contemplation but as fragmentary data captured by the system. Furthermore, <Choreography No.1> reconstructs signs of human anxiety—such as rigidity or trembling—into mechanical choreography. In the absence of direct human intervention, the machines autonomously reveal traces of human behavioral gestures.

Song Seonghun approaches existential anxiety arising from the absence of fixed essence as an opportunity to recognize the relationship between human finitude and the world. Particularly at the point where the disembodiment of digital media intensifies anxiety, his works paradoxically foreground bodily sensation in order to reconstruct a sense of existence within space. <Willow> materializes natural phenomena that cannot be directly grasped. The circulating sounds of wind and the abstract apparatuses responding to them reveal concealed layers of nature that humans can only partially perceive, allowing viewers to sense both their finitude before such vast flows and the instability of perception itself. <Vertigo>, meanwhile, reconstructs excerpts from Milan Kundera’s novel The Unbearable Lightness of Being into a video narrative. As visual information and orientation separate through videos installed on the front wall and ceiling, along with mirrors placed on the floor, viewers become physically aware of their own bodies through sensations of vertigo. In doing so, the work recalls corporeal existence that had been suspended within digital media. This inverted spatial perception transforms the existential paradox—that “the desire to reach stability is itself a desire for falling”—into a concrete bodily experience.

Ultimately, this space is not merely a site where artworks and humans interact. Machines operate according to their own rules, while the space itself breathes fluidly through embodied winds and devices that disturb bodily sensation, continuously transforming the environment. The human body becomes incorporated into this operational structure as part of a performative environment. In other words, the materiality of machines and space assumes the role of a “principal choreographer,” leading the environment itself, while humans stagger within the disjointed rhythms that emerge between them. Tilted Breath reveals the autonomous breathing that remains where humans have been displaced from the center, alongside the unfamiliar yet inevitable encounter experienced by bodies entangled within impersonal systems of operation.